Les Miserables – Film

Irgendwie konnte und vor allem wollte ich diesen Film nicht verpassen. Dafür bin ich zu sehr von Kind an von Musicals und dem Musiktheater an sich begeistert, und dafür ist mir dieses epische und wuchtige Musical mit seinen großen Bildern (nicht nur im Film, sondern auch auf der Bühne) und der oft einigermaßen dramatischen Geschichte zu sehr ans Herz gewachsen. (Spoilerwarnung, wer den Film noch nicht kennt, sollte sich sehr genau überlegen, ob er oder sie weiterlesen will!)

Nun also Les Miserables im Kino, und gleich die Eröffnungsszene ist ein optischer Wahnsinn. Hunderte Sträflinge ziehen ein großes Kriegsschiff mit Muskelkraft in ein Trockendock. Kurzzeitig fragt sich meine Logikabteilung, ob es solche Docks für Schiffe mit mehreren Kanonendecks wirklich gab, aber gut, das Bild ist groß!

Und solcherlei Bilder schafft der Film immer wieder. Javert am Abgrund, die Barrikade, Valjean, noch fast am Anfang, an einer Klippe an der Friedhofsmauer. Große Bilder. Und reden wir nicht von dem Schlussbild, das ist natürlich over the top, aber einfach gut.

Aber es geht auch um andere Bilder, und die finde ich teilweise deutlich weniger gelungen. Regisseur Tom Hooper stand natürlich vor dem Problem, dass jeder Regisseur von Musiktheater hat. Was mache ich denn, wenn die Arie kommt, also der große Einzelsong, wir sind ja beim Musical. Und Hooper fällt da selten mehr ein, als den Opernregisseuren, die ihre Sänger immer noch an die Rampe schicken und da ihre Töne absondern lassen.

Die filmische Entsprechung ist die ungeheure Vergrößerung einer Briefmarke. Wie bei einer Briefmarke gibt es nämlich bei mehreren Arien ein Portrait mit unscharfem und vernachlässgbarem Hintergrund. Das ist nicht nur langweilig und einfallslos, es lenkt auch viel zu viel Aufmerksamkeit darauf, dass Schauspiel sich gerne mal mit erlernter Gesangstechnik beißt. Man kann zwar sehr schön Studien betreiben, über wie viel Technik die diversen Castmitglieder verfügen, aber das ist doch wohl eher nur ein Spaß für Gesangslehrer und Logopäden. Ich persönlich möchte nicht jedes Zucken eines Mundwinkels sehen.

Es verstärkt auch den Eindruck der Künstlichkeit, weil ich eben nicht volltönend singe, wenn ich gerade versterbe, oder wenn ich verzweifelt bin, oder … ach, Ihr habt den Punkt vermutlich verstanden. Also kurz, bitte keine Großaufnahmen bei der Tonproduktion. Da ist es oft auch einfach gut, dass man bei den Bühnenversionen so weit weg sitzt, dass so genaue Einblicke gar nicht gegeben sind.

Ich könnte noch wegen ein paar anderer Sachen meckern, natürlich kommt das Musical mit einem Gesellschaftsbild daher, dass Jahrhunderte alt ist. Natürlich ist das Ganze ein christliches Schicksalsmärchen, was man auch ein bisschen weniger hätte herausarbeiten können. Geschenkt. Ich erwarte bei einem Musical auch eher selten fortschrittliches – auch und gerade nicht bei einem über dreißig Jahre altem Musical nach einer Vorlage von Anno Dunnemals. Ist ja auch alles in Ordnung.

Aber ich finde es viel interessanter, zu schauen, wo eine Bühnenversion stärker ist, als der Film. Zum Beispiel bei dem Eherpaar Thenardier, das schon verdammt cool besetzt ist mit Sacha Baron Cohen und der großartigen Helena Bonham Carter – deren toller und witziger Song „Master oft he House“ bleibt aber hinter diversen Bühnenversionen weit zurück. Ich habe mich gefragt, warum das so ist. Ich vermute, weil es sich eingebürgert hat, dass auf der Bühne ganz klar das Publikum angesprochen wird. Und direkte Ansprache hat halt doch seine Vorteile. Oder „Empty Charis at empty Tables“ – Marius besingt seine toten Freunde, und in der üblichen Bühnenregie tauchen die geisterhaft im Hintergrund auf – mit nettem Gruseleffekt, sehr klassisch. Was fällt da dem Herrn Hooper ein? Richtig! Briefmarke … schade …

Nun gut, Fans des Musicals kommen auf ihre Kosten. Es gab mehrere Momente, die ich großartig fand. Aber ein bisschen ist das auch eine vertane Chance, nochmal schade.

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Hooooooooooooooooooooooooooooooonk!

Gummersbach, vor gut vier Stunden, ein riesiges graues Küken schlüpft einer ehrbaren Entenfamilie – und alle sind entsetzt, na gut, alle, bis auf die treusorgende Mutter – das Küken hat offenbar ein Gesicht, das nur Mütter lieben können. Mit einem aufgeregten wilden Geflügelhof beginnt das Spiel, dort wir es gut drei Stunden später auch wieder enden – und dazwischen ist gute Unterhaltung, tolle Musik, ein Amateurensemble (sic!), dass tanzt, spielt und dabei noch präzise mehrstimmig singt.

Ich bin Insider, das Musical-Projekt Oberberg, dass da auf der Bühne spielt, ist meine eigene künstlerische Heimat, aber ich bin auch Regisseur und mein Blick ist kritisch – ja, fast automatisch überkritisch, wenn es um ein Ensemble geht, in dem ich selbst ein paar Jahre verbracht habe, dem ich immer noch freundschaftlich verbunden bin, dessen Nachwuchs ich versuche heranzuziehen, an dem mein Herz hängt. Nicht immer ist der kritische Blick erwünscht, und umso froher bin ich jetzt, nachdem ich HONK gesehen habe, dass ich dieses Musical ohne jede Einschränkung weiterempfehlen kann – letztlich will man das ja immer, wenn man Freunde und Kollegen auf der Bühne sieht.

Ja, klar, mit sicherem Blick sehe ich, wo die verzweifelten Blicke zum Dirigenten sind, höre die Hakler, sehe hier und da den kleinen Spannungsabfall, der Profis da nicht passieren würde. Aber es stört mich nie, es ist um Klassen besser, als vieles, was man bei anderen Amateuren sieht, die Inszenierung – nein, die ist nicht von einem Amateur – schlägt das meiste, was man zum Beispiel in der Kölner Oper sieht, die Choreographien sind total stimmig, weder über- noch unterfordern sie die Ensemblemitglieder, die natürlich nur selten viel tänzerische Ausbildung haben, und sie haben Sinn, jawohl! Die komplexe Musik – man sieht die Profis im Orchestergraben ganz schön ins Schwitzen kommen – ist hochklassig, die Sänger halten fast durchgängig mit – und mal ganz nebenbei: Dieses Honk ist ein wirklich gut geschriebenes Musical, viele kleine Gags, viel sehr gutes Komödienhandwerk mit einer stimmigen Geschichte, immer funktionierenden Dramaturgie, dazu passender, teilweise sehr eingängiger Musik – komplex und eingängig, hat man ja jetzt auch nicht täglich.

„Honk! – Von der Schwierigkeit keine Ente zu sein“, so ist die Produktion überschrieben – und nach allen Schwierigkeiten, die man sicher überwinden musste, ist ein Ziel erreicht. Man findet hier exakt das, was man im besten Sinne unter „Amateur“-Theater verstehen kann – das Wort „Amateur“ gehört hier dringend in Anführungszeichen, die Produktion ist ziemlich professionell, die Technik teuer, man nennt so was mit Fug und Recht semiprofessionell -: Amateur heißt Liebhaber, und die, die da auf der Bühne stehen, müssen ihre Kunst verdammt lieb haben!

PS Weitere Informationen gibt es hier: http://www.musical-projekt-oberberg.de/

PPS Hingehen! Nun los!

Musical und Tanz – grundsätzliche Überlegung

Aus aktuellen Gründen beschäftige ich mich im Moment mit der Kombination aus Tanz und Musical – etwas, von dem man weithin glaubt, es müsse zusammen gedacht werden. Jetzt mach ich ja deutlich mehr ganz spaßiges Sprechtheater, eine Sache, bei der extrem selten wirklich getanzt wird, also muss ich für zukünftige Musicals mal überlegen, wie ich denn zum Thema Tanz stehe.

Ich kenn das Problem, dass viele mit dem Musical haben: die seltsame Künstlichkeit. Völlig ohne Grund fangen da Leute an zu singen und zu tanzen – etwas, was zum Beispiel beim Musicalfilm „Hair“ viele zum geistigen Sofortausstieg zwingt, wenn da Leute im Central Park nicht nur sinnlos rumstehen und singen, sondern auch noch in heftigsten Verrenkungen rhythmische Gymnastik machen – ganz ähnlich bei „Jesus Christ Superstar“ – immer noch einer meiner absoluten Lieblingsfilme. Diese Tanzerei ist ästhetisch hübsch anzusehen, aber ob sie der Geschichte irgendwas gibt, ist zumindest zweifelhaft. Würden diese wunderbaren Musicals auch funktionieren, wenn da nicht getanzt würde? In gewisser Weise ja.

These: Musical geht auch ohne Tanz!

Im Prinzip schon, bei der Oper funktioniert es auch großflächig, warum sollte es also bei Musicals anders sein? Gehe ich davon aus, dass ich im Bereich des Musical Drama bin – einem Bereich, der mir wahrscheinlich sogar eher liegt – dann brauch ich doch eher eine sensible Regie, als irgendwelche Tanzschritte, oder? In der Musical Comedy kann ich wunderbar karikieren und ironisieren über Tanz; ja klar, aber im Drama brauch ich die Ironie ja nicht unbedingt.

Aber Tanz kann doch auch etwas aussagen!

Ja, aber er macht es so selten. Schau ich mir den üblichen Einsatz von Tanz in Musicals an, so bleibt heute fast nur noch das Erzeugen von Dynamik, was ja schön und gut ist, aber nicht unbedingt alles, was Tanz kann. Ansonsten ist Tanz viel zu oft ein schmückendes Beiwerk. Das große Finale wird getanzt, weil es immer so nett aussieht, wenn das ganze Ensemble im Tanz vereint ist – schmückendes Beiwerk. Dafür brauchen wir keinen Tanz.

These: Musical braucht Tanz, aber sinnvoll!

Ich mag Verfremdungen, ich bin der festen Überzeugung, dass absichtliche Brüche in der Illusion eine gute Sachen sind, allerdings nur an den richtigen Stellen, ich benutze auch immer gern Bilder an gewissen Punkten einer Inszenierung, die aus der Bühnenrealität ein wenig herausfallen. Ich denke, an dieser Stelle hat im Musical der Tanz eine wichtige Aufgabe zu erfüllen. Das kann der ironisierende Marsch sein, das kann die Roboterarmee sein, die die Protagonisten in die Flucht schlägt, aber auch die vorsichtige Annäherung zweier Menschen, die ohne Worte, aber mit viel Musik und getanzt geschieht. Unterhalten sich zwei Menschen, gehen dann in Gesang über, so mag das noch die Bühnenrealität verkraften, fängt nun noch einer von beiden an zu tanzen, so mordet das oft die Illusion und ist deswegen oft genug nicht angemessen und –bracht. Tanz darf nicht eingestreut werden, damit der Choreograph etwas zu tun hat, sondern um der Geschichte zu dienen, dem Stück zu dienen – schaut man sich das Tanztheater einer Pina Bausch an, dann weiß man, wie viel Tanz ausdrücken kann. Die gleiche Tiefe sollte Tanz auch im Musical haben, sonst wird er zu Aerobic.

High Fidelity … Musical … Essen …. Folkwang …

Am Freitag hatte ich die tolle Möglichkeit, die Erstinszenierung des High Fidelity-Musicals zu sehen, in Essen, im Rathaus-Theater, gespielt von der Abschlussklasse der Musicalabteilung der Folkwang-Schule – also junge Menschen auf der Bühne, die so gut sind, dass einem vor Neid schlecht werden könnte, wenn, ja wenn man nicht so mitrocken würde und vor allem so viel lachen.

Vielleicht kennt der eine oder andere den Roman „High Fidelity“ von Nick Hornby, einen Film gibt es auch – ich habe beides bisher nicht registriert gehabt – ich geb das zu, auch wenn ich vielleicht nun Banause gerufen werde. Auf jeden Fall ist die durchaus konventionelle Liebesgeschichte so unkonventionell erzählt, dass man fast von Anfang an richtig was zu lachen hat. Kauzige Charaktere, große Gewissensnöte, eine Menge Anspielungen auf gute und nicht so gute Musik, die man aber gar nicht unbedingt alle verstehen muss, um einfach viel Spaß zu haben.

Und ganz nebenbei stand da die junge Musicalelite Deutschlands auf der Bühne – großartige Stimmen, wundervolles Timing, und auch gar nicht die glattgebügelten Musicalstars, die üblicherweise für größere En-Suite-Stücke aus England oder Holland herangekarrt werden. Das sind richtige Typen, Schauspieler, für die das Wort noch Sinn macht. Ja, dieses Musical hat sich nicht  irgendwie gelohnt, es war fantastisch, ein Hauptgewinn. Die Regie schnörkellos und clever, die Choreographie immer ein Diener des Stücks – also wirklich annähernd alles richtig gemacht – ein kleiner Nachteil war vorhanden, aber der lag an meinem Sitzplatz – ich konnte manchmal die Stimmen und daher den Text der kongenialen Übersetzung nicht wirklich gut verstehen. Egal, ich bin auch so erst mal nur dankbar – war ein Highlight nach einer verrückten Woche.

Das da, direkt neben normal!

Wer meinen Blog hier und da mal liest, mag erkannt haben, dass ich Musicals mag und manchmal auch mach – und wer welche auf die Bühne bringen will, der sollte sich tunlichst auch mit ihnen auskennen, denk ich mir mal so, also versuch ich auf dem Laufenden zu bleiben. Die neueste Entdeckung, und einfach der neue Stern am Musical-Himmel ist „Next to normal“, das einige Tonys gewonnen und mein Herz innerhalb weniger damit verbrachter Minuten erobert hat.

Übrigens heißt der große Erfolg am Broadway nicht, dass wir in Europa da viel von mitbekommen werden, ähnlich phänomenal schlug einst „Ragtime“ ein, und davon hat in Deutschland kaum jemand gehört – okay, das Thema ist recht amerikanisch, aber es ist auch großartig, dass das niemand in Deutschland machen will, ist mir völlig unerklärlich … aber zurück zum Thema:

Soweit ich „Next to normal“ bisher verstanden habe – mein Englisch ist nicht großartig und man versteht bei Liedern ja nicht immer alles – baut sich folgendes Gemälde auf: Eine Familie wird gezeigt, eine augenscheinlich ganz normale amerikanische Familie – und schaut man ins Booklet sieht man, meine Herren, die sehen wirklich normal aus, weißer Durchschnitt – , aber mit der Normalität ist es nicht weit her. Vor allem, weil die Mutter das ist, was man landläufig manisch-depressiv nennt. Die Tochter ist nebenbei ein Genie, und der Sohn … im Alter von anderthalb Jahren gestorben – allerdings nicht so richtig tot, er lebt (und singt) in den Köpfen der Familie weiter.  Dann gibt es noch ein bis zwei Ärzte und den Freund der Tochter, der sie irgendwie nicht davon überzeugt bekommt, dass er sie so liebt wie sie ist.

Klingt nach einem eher drögen Thema, ist aber ein sensationelles Stück. Ironisch witzig, aber auch von einer kathartischen Schonungslosigkeit, was für ein Tragödie und was für eine Komödie in einem Stück. Dialoge und Textzeilen, die zum stärksten gehören, was ich überhaupt je in einem Musical gehört hab, und das eben sowohl in Humor als auch all ihrer Ernsthaftigkeit. Aufgrund der natürlich enormen Fallhöhe sind die Gags natürlich auch besonders heftig. Und musikalisch? Sehr abwechslungsreich, sehr eingängig, endlich mal wieder ein Musical, in dem es eigentlich kein schlechtes Stück gibt, in dem man sich oft in diese tolle Musik reinlegen kann – wie jetzt gerade, das ist toll, wenn man ein Musical hört, während man darüber schreibt. Weder in der Musik, noch im Gesang oder in der Instrumentierung gibt es irgendwelche Schnörkel, irgendwelche unsinnigen Phrasierungen, irgendwelche hohen Töne, die nur das unglaubliche Ego der Darsteller bedient, nicht aber die Geschichte, das Stück. Trotz aller Komplexität und obwohl es so abwechslungsreich ist, wirkt die Musik immer einfach und richtig – ein, wie ich finde, unglaubliches Lob, und dennoch muss man es so sagen.

Ja, ich habe mein Herz an „Next to normal“ verloren, so liebe Leser, jetzt seid Ihr dran!